Pleca ForoGrafico 2017

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MIRADAS CRUZADAS. LUIS MORO / ELENA PONIATOWSLA / ANTONIO GAMONEDA
23 de agosto al 19 de noviembre 2017

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“Los primeros pintores de la Historia fueron pintores de animales y, al mismo tiempo, tenían algo de brujos o magos guardadores de secretos. Luis Moro es también un pintor animalier y sus ojos delatan que es conocedor de algunos saberes recónditos…”
 Jesús Mazariego


Las cualidades inherentes al arte gráfico vuelven a este medio artístico un campo fecundo para la realización de ediciones, carpetas y series en el que, no en pocas ocasiones, converge la complicidad de artistas, escritores, talleres y editores. Gráfica y literatura encuentran en la edición un derrotero para la articulación de la imagen y la palabra, un territorio de encuentros afortunados entre distintos agentes culturales y un camino que perpetúa la consolidación y expansión de modelos de creación colaborativa entre artistas de la imagen y de las letras.
     La ruta de Luis Moro abona este campo y permite la simultaneidad y compaginación entre la escritura y la imagen, un camino que celebra la afinidad entre literatura y gráfica, un universo común para dos lenguajes tan vinculados como autónomos.
     Miradas cruzadas da cuenta de los proyectos del pintor, grabador y escultor español radicado en nuestro país, Luis Moro (Segovia, 1969), quien ha abierto una prolífica línea de trabajo para la colaboración con célebres escritores en ambos lados del Atlántico. La poesía ha sido tal vez una de las referencias primordiales en la carrera artística de Moro, la cual le ha servido no sólo como fuente de inspiración sino como medio que posibilita la interrelación de lenguajes y la suma de contribuciones para su creación plástica, gráfica y editorial.
     Presentada por primera vez en México, La Leona (2017) se trata de la última edición gráfica realizada por Luis Moro, a partir de la obra poética homónima de Elena Poniatowska, con quien trabajó ininterrumpidamente a lo largo de los últimos meses hasta la culminación y edición de las litografías que acompañan la carpeta seriada y firmada por sus autores y editada por Eric O’Farrill. Por su parte, Un animal oculto (2016) materializa la labor conjunta de Luis Moro y el reconocido poeta español Antonio Gamoneda, complicidad que dio lugar a la publicación de tres poemas del célebre escritor originario de Oviedo y un igual número de litografías del artista segoviano.

     De factura impecable, La leona y Un animal oculto también denotan una de las líneas más representativas en la carrera artística de Moro: los bestiarios, una colección de seres reales o fantásticos, descripciones coloridas de un universo animal que determinan el carácter “naturalista con una vocación ecológica” en la obra de este artista autodidacta.
      El Museo Nacional de la Estampa, en el marco de su programa público Foro Gráfico, presenta las más recientes ediciones litográficas de Luis Moro: La leona y Un animal oculto, producidas y publicadas bajo el sello del emblemático taller gráfico Blackstone Press, que opera en la colonia Condesa de esta ciudad bajo la tutela del editor Gabriel Carbonell.

MUSEO NACIONAL DE LA ESTAMPA

El Museo Nacional de la Estampa agradece a las siguientes personas e instituciones su decidido apoyo para la realización de la muestra Miradas cruzadas: Luis Moro / Elena Poniatowska / Antonio Gamoneda: Gabriel Carbonell, Antonio Gamoneda, Eric O’Farril, Rodrigo Juarranz, Elena Poniatowska y Olga Simsolo / Blackstone Press


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MONOT1POS
9 de diciembre, 2016 al 12 de marzo del 2017

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Como su nombre lo indica, el monotipo es aquella estampa única, cuya imagen ―pintada o dibujada previamente sobre una matriz plana mediante la aplicación y sustracción directa de tinta u óleo― se transfiere por contacto a un soporte, generalmente papel o tela. Si bien la invención del monotipo se atribuye en varias fuentes al pintor y grabador genovés Giovanni Benedetto Castiglione (1609-1664), se ha documentado su aplicación experimental en el trabajo del paisajista holandés Hercules Seghers (1589-1638). Años después, otros autores como William Blake, los reconocidos impresionistas Camille Pissarro, Mary Cassat, Paul Gauguin y Edgar Degas, así como Pablo Picasso, Henri Matisse, Jasper Johns y Robert Rauschenberg, dejaron constancia del empleo de esta técnica de estampación en su trabajo gráfico.
     El monotipo destaca por su aproximación a otros campos disciplinarios, como el dibujo y la pintura, y también se contrapone, por su carácter de “impronta única”, a una de las nociones que identifican al grabado y al arte gráfico: la multireproductibilidad de la imagen. Estas características dotan al monotipo de una notoria singularidad dentro de los fundamentos conceptuales de la disciplina de la estampa.
     Colaborador en el taller Kyron, establecido y dirigido por el destacado litógrafo Andrew Vlady y Beatriz S. de Vlady, el maestro impresor Ramón Durán (Ciudad de México, 1963) también fue partícipe de la reconocida labor artística desarrollada en el taller Artegrafías Limitadas, fundado por Alejandro Ehrenberg. La experiencia acumulada por Ramón Durán, aunada a su labor docente en el Instituto Cultural de Aguascalientes, cobra singular vitalidad en el espacio que, hace 14 años, estableció por su cuenta en esta ciudad para continuar su labor como impresor y editor de obra gráfica.
     El presente proyecto da cuenta no sólo del depurado oficio de Durán y su dedicación a la producción gráfica. También nos advierte la reciente y afortunada confluencia artística que ha tenido lugar en su taller y que ha sumado la participación de reconocidos pintores y grabadores de distintas generaciones bajo un eje común: la edición de monotipos. La presente colección de estampas únicas denota la impecable guía del maestro impresor, la correspondencia que permite el monotipo entre diferentes lenguajes artísticos
la pintura, el dibujo y la estampa, así como el óptimo aprovechamiento de las cualidades plásticas y técnicas que ofrece este medio para el desarrollo de las nueve propuestas aquí reunidas.

 

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CORAL REVUELTAS: TERRITORIO Y REPRESENTACIÓN
13 de septiembre al 20 de noviembre de 2016


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El “mapa”, en tanto sistema de representación espacial, implica la organización de nuestro entorno, nuestra pertenencia a él y nuestro dominio sobre él. El mapa es también traza, concatenación y sistematización abstracta de referencias políticas, religiosas, simbólicas, militares, mentales, conceptuales, materiales, espaciales, objetivas y subjetivas, incluso oníricas. En él se traza la ruta, el origen y destino; se modela, transforma y organiza el espacio y el territorio; es documento del pasado y campo para la proyección del futuro.
     Figura abstracta por naturaleza, el “mapa” es arte, ciencia (Cartografía), historia y símbolo. Huella sobre papel o modelo virtual, el mapa es representación del territorio, objetivo y subjetivo, que nos plantea múltiples relaciones del individuo con el espacio. Coral Revueltas retoma un concepto recurrente en el arte: el territorio y su representación como idea generadora. Su obra parte de la voluntad de representar y “apropiarse” del espacio, plasmarlo como impronta sobre el soporte, intervenirlo, “reimaginarlo” y sustituirlo:

“Las nuevas cartografías forman parte del lenguaje gráfico y sirven para representar territorios en los que se funden espacios determinados –reales o no– con las emociones […], con proyecciones deseables de ambientes o lugares conocidos, con las imaginaciones imposibles de Italo Calvino o las fabulaciones borgianas. […] En esta obra, el territorio representado se construye desde una experiencia previa y la selección de un recorrido cotidiano”. (Coral Revueltas)

Esta cartografía imaginaria realizada por Coral Revueltas es resultado de un proceso híbrido que abarca la manipulación e impresión electrográfica de imágenes satelitales -ortofotografías- para realizar una matriz virtual que, en su combinación, permite resultados múltiples: desde la impresión láser en pequeño formato hasta la generación de imágenes amplificadas a partir de la escala original. Es también, por ello, el resultado de articular distintos recursos gráficos, desde la técnica de la monotipia hasta las nuevas tecnologías digitales -la electrografía- y la intervención directa, mediante el bordado. Esto denota uno de los ejes fundamentales de la propuesta de la artista: una constante reflexión sobre su médium -lo gráfico-, y el aprovechamiento amplio de los procesos técnicos, tanto tradicionales como digitales.    
  
   El Museo Nacional de la Estampa, como parte de su programa Foro Gráfico, presenta una de las líneas de trabajo que la artista Coral Revuletas ha desarrollado en los últimos años, con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, en paralelo a su actividad docente en la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma de Morelos.


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A PROPÓSITO DE BaCO - EDICIÓN 1
Del 8 de junio al 14 de agosto de 2016

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Fundada en 2009 por el curador y escritor Christian Barragán (1985), BaCO Ediciones plantea como objetivos sustantivos realizar ediciones gráficas limitadas, difundir las expresiones del arte emergente mexicano y generar plataformas para el intercambio creativo entre distintos agentes inmersos en la creación artística contemporánea y en la producción editorial.
    
Bajo estos principios, entre los años 2010 y 2011, BaCO Ediciones congregó a siete jóvenes artistas mexicanos, cuyas carreras se han inscrito en distintos marcos disciplinarios, para crear el portafolio gráfico Edición 1, conformado por 7 estampas de la autoría de Ernesto Alva, Omar Barquet, Pablo Rasgado, Agustín González, Omar Árcega, Erick Meyenberg y Balam Bartolomé. Cada uno de ellos realizó una obra en placa de cobre e impresa sobre papel, recurriendo a diversas técnicas de huecograbado; el resultado fue una edición limitada de 30 ejemplares. Asimismo, participaron en la edición y producción de este portafolio tres diferentes maestros y talleres: La Trampa Gráfica (Mtro. Impresor Ernesto Alva, asistencia de César López), Carretilla Roja (Mtro. Encuadernador Arturo Téllez) y 75 Grados Color (Mtro. Impresor Arturo Negrete).
    
Con motivo de la reciente donación del ejemplar 1/30 de dicha edición al acervo artístico del Munae, y en el marco de las actividades conmemorativas por el treinta aniversario de este recinto, el Museo Nacional de la Estampa, a través de su programa Foro Gráfico, presenta al público las obras que conforman la carpeta de estampas Edición 1, al tiempo de abordar, en distintas actividades paralelas, algunas características que identifican al arte gráfico, como su liga indisoluble a la labor editorial y las relaciones estratégicas entre editores, artistas e impresores que prevalecen en sus sistemas de producción, así como algunos de los derroteros en los que se perfila la creación gráfica mexicana en el ámbito contemporáneo.

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BLOQUE GEOLÓGICO DE CISCO JIMÉNEZ
Del 26 de julio al 6 de septiembre de 2015

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En el marco del Programa Foro Gráfico se presentó y exhibió la carpeta Bloque Geológico de Cisco Jiménez editado por el Taller de impresión Tiempo Extra Editores de Emilio Payán. La presentación de la carpeta estuvo a cargo de: José Manuel Springer, Santiago Pérez Garci, Emilio Payán y Cisco Jiménez.

"La obra de Cisco Jiménez es un constante planteamiento de opciones que usan elementos de la historia y de la geografía, pero también de la publicidad y la anatomía, de la caricatura política y la ciencia ficción, de los manuales de aparatos domésticos y los animales de las pinturas barrocas. Colección de temas que encierran la identidad nómada de un espíritu inquieto como el de Cisco".


José Manuel Springer


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NAO NOW. MÉXICO-BEIJING 2014
Del 10 de diciembre de 2015 al 3 de marzo del 2016

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El fenómeno de globalización ha permitido la diversificación de estrategias de colaboración artística entre creadores e instituciones de distintos órdenes geográficos y culturales. En este contexto es donde se sitúan los alcances de NAO NOW, proyecto que por iniciativa de la artista Valerie Campos, logró sumar la participación de otros creadores mexicanos en una residencia artística en el Xu Yuan Center de Beijing, China.
    
El Museo Nacional de la Estampa presenta la producción artística que, en el territorio del arte gráfico, llevaron a cabo Daniel Alcalá, Valerie Campos, Nacho Chincoya, Claudia Gallegos, Emmanuel García Ramírez, Ramiro Martínez Plasencia, Ricardo Pinto y Heriberto Quesnel en ese país asiático, en el verano de 2014, con el apoyo de colegas e impresores del Xu Yuan Center. NAO NOW, cuyo nombre alude al emblemático navío que abrió rutas de intercambio comercial y cultural entre Asia y la Nueva España, es un proyecto que encuentra su centro en el intercambio de experiencias y en la participación colectiva, tal vez dos de los principios que fundamentan la dinámica de un taller dedicado a la producción gráfica y el quehacer artístico en esta disciplina.


Sedes como exposición itinerante:

• Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, Oaxaca
Del 16 de abril al 3 de junio de 2016


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ESPACIOS COMUNES. MANO A MANO: REZIZTE vs 656 CÓMICS
Del 15 de octubre al 23 de noviembre de 2014

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El proyecto Espacios Comunes consiste en una investigación, un programa expositivo y una serie de actividades paralelas en torno al trabajo de una nueva generación de artistas y agentes culturales de Ciudad Juárez. Planteada desde el entrecruzamiento de disciplinas, la muestra conjunta proyectos de arquitectura, medios audiovisuales, arte urbano, artes visuales, música y literatura, en los que destaca el interés por el trabajo colaborativo orientado hacia la dinamización social y comunitaria.
    
Presentada originalmente en el Museo de Arte de Ciudad Juárez del INBA, en esta ocasión el proyecto ocupará los espacios del Centro Cultural España en México, bajo el título Espacios Comunes: la toma del CCEMX. En paralelo, esta nueva proyección incluye la participación de otras sedes e instituciones adicionales como el Centro Cultural Border y el Programa de Estudios de Género de la UNAM. Por su parte, el Munae, a través de su programa Foro gráfico, se suma a esta iniciativa interinstitucional y abre sus puertas a la participación de dos colectivos que caracterizan el acontecer artístico contemporáneo en esa ciudad fronteriza.
    
Este Mano a mano entre los colectivos 656 Cómics y Rezizte, es una contienda gráfica que tiene como marco la celebración de una década de labor ininterrumpida de ambas agrupaciones: Rezizte en 2013 y 656 Cómics en 2014. Por este motivo, se ha decidido revisar la producción más representativa de cada uno de éstos. La “arena” de esta contienda tuvo como sede el 75º Color dirigido por el destacado maestro impresor Arturo Negrete, encargado de editar la carpeta de serigrafías que hoy se presenta. El trabajo tanto de 656 Cómics como de Rezizte investiga la identidad fronteriza de la Heroica Ciudad Juárez; nutrida de héroes revolucionarios, noches radiantes, spanglish y resistencia. La relevancia de ambos colectivos se debe también al ejercicio constante de trabajo comunitario en términos de gestión cultural y formación.

Abril Castro Prieto / Felipe Zúñiga González


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FRANCISCO MORENO CAPDEVILA. PRESENCIA EN LA COLECCIÓN MUNAE
Del 30 de julio al 5 de octubre de 2014

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Francisco Moreno Capdevila (Barcelona, 1926 – Ciudad de México, 1995) llegó a México en 1939, siendo aún adolescente, como parte del numeroso grupo de republicanos españoles que se vieron obligados a salir de su país con motivo de la guerra civil y el avance del franquismo (1936 –1939).
     Entre 1945 y 1948, estudió grabado en la célebre Escuela de las Artes del Libro. Fue alumno de reconocidos maestros y artistas grabadores como Carlos Alvarado Lang (1905-1961) y Francisco Díaz de León (1887-1975). De 1958 a 1979, fue profesor en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM y su producción, inscrita en distintas disciplinas, encontró ecos en su vocación como profesor. Fue la antigua Academia de San Carlos el espacio donde se formaron, bajo su tutela, algunos de los más destacados grabadores y artistas contemporáneos, quienes continuaron o continúan la misma dedicación como artistas y docentes.
    
Su obra, aunque diversa en cuanto a temáticas y sistemas formales, lo mismo próxima a los lenguajes abstractos y figurativos, siempre fue congruente con sus principios humanistas, sus posiciones estéticas y su ideología política.
    
El Museo Nacional de la Estampa cuenta en su acervo con cerca de ochenta obras del artista catalán, algunas de las cuales el propio Moreno Capdevila entregó en donación en 1986, 1987 y 1991. En este fondo, la versatilidad técnica del artista es patente: sus obras realizadas tanto al aguatinta y al aguafuerte, en litografía, punta seca, buril, linóleo, barniz blando, mezzotinta y xilografía, como las producidas bajo un estricto rigor técnico-experimental, denotan la sólida formación y convicción de un artista comprometido con su oficio.
    
Con ello, el Museo Nacional de la Estampa y el Salón de la Plástica Mexicana contribuyen a la difusión y el reconocimiento de una de las carreras más distintivas en el terreno disciplinario de la Estampa mexicana del siglo XX, en el contexto de los setenta y cinco años de la llegada del primer contingente de refugiados españoles a México.



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ALIADOS
Del 16 al 27 de julio de 2014

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Arte y vida forman una unión tan íntima como dialéctica, no es por casualidad que toda obra de arte contiene buenas dosis de la experiencia vivida por propio artista. Una de las asociaciones más recurrentes para aludir a la vida es la de lucha... con el trabajo, contra el tiempo, contra las adversidades, con la familia, con los demás, contra uno mismo. La vida como una batalla más o menos incruenta, y no hay mejor manera de afrontar esa pelea cotidiana con el destino propio que la alianza con los demás, pocos pero bien avenidos. La unión hace la fuerza y si está bien orientada nos conduce inexorablemente hacia una noble y doble victoria: una con tintes de derrota, desoladora e íntima (la dolorosa superación del individualismo), otra consoladora y gratificante, cuando revierte positivamente en los demás. Lucha con uñas y dientes para construir, para instruir, para instituir, para sentir.
    
Las imágenes son mudas (ut pictura poesis) y a menudo me he preguntado por los sonidos que generan, que emiten y a los que me remiten. La gráfica, con su lucha constante con la técnica, con los materiales, con los procesos, con las herramientas, con su reproducción, me sugiere el sonido metálico de armas leales que no letales. La alianza de saberes, de intereses, de haceres y de quereres armoniza voluntades y aúna estrategias en esas fraguas sempiternas que son los talleres. El ritmo de luces y sombras, de líneas y manchas, de formas y materias me recuerda el paso ordenado y cadencioso, el griterío ensordecedor del gesto violento y explosivo, el drama no necesariamente cósmico de las obsesiones personales con aspiraciones estructurales y comunitarias.
    
17 maneras de aproximarse a la belleza absoluta desde la absoluta limitación humana que define nuestra grandeza. Esa belleza inalcanzable, Diosa de mil caras y brazos y órganos infinitos. Esa belleza que lo puede expresar todo porque no dice nada (Óscar Wilde). Esa belleza hermosa y terrible como un ejército dispuesto para el combate (Umberto Eco).

Juan Bautista Peiró